浅论中职舞蹈教学中对学生“舞感”的培养策略

  舞感是人在做出舞蹈动作时自然流露出的一种特殊的感受,它是一个特殊的概念。舞感的出现是建立在舞蹈的基础上,在舞蹈中能融入自己的情感并且肢体动作高度协调的情况下的一种特别的主观感受。舞感也是一种特殊的能力,它是舞蹈者的动作和自身的想象力相结合并运用自身的创造力,通过感情抒发而表现出来的,这是在多年的教学和实践中提出来的一个新概念。

  一、培养学生舞感的重要性

  在众多的艺术表现形式中,舞蹈更重视的是舞蹈本身的内涵和精神价值,它需要舞蹈者充分运用自身的肢体动作并融入自己对于舞蹈的体验,从而向观众表达出舞蹈的内容。在平时的舞蹈课中,中职学生应该牢记培养舞感的重要性,在学习中应在有意或者无意的情况下重视自己舞感的培养,只有这样才能提高自己的舞蹈水平和成绩。而对于中职的舞蹈教师而言,只明白舞感的重要性是远远不够的,所以应该在教学中体现出来。在日常的教学中针对学生舞感的培养,制作出一套有针对性的教学计划,在课堂中也尽力营造出学习的氛围,这是提高中职舞蹈教育水平的关键。由此可见,在中职的舞蹈教学中培养和锻炼学生的舞感,对着中职舞蹈教学成绩起着决定性作用。

  二、培养学生舞感的有效策略

  (一)内心情感的培养

  在舞蹈教学中,应该首先培养学生对舞蹈的悟性。舞蹈不是单一的只通过动作来表现的艺术形式,而是需要身体各部分比如面部表情、身体韵律和躯体动作等等相互协调而产生的连续性的动作。所以在舞蹈教学中悟性的培养尤为重要,它是理解舞蹈的重要基础。培养学生的舞蹈悟性有很多种方法,比如说先给学生观看相关的舞蹈视频让学生感受舞蹈、喜欢舞蹈,由于视频的潜移默化的效果,学生会感受到舞蹈的意义,在日后的学习过程中就能主动地尝试着去表达一些动作,从而表现出舞蹈的内涵最后能更好的投入到舞蹈中。在舞蹈教学过程中,对于学生学习后的舞蹈动作的标准评价中可以看中,学生学习后成绩都有所提高,但这并不表示学生的舞蹈总体技能的上升,这只是学生舞蹈动作掌握程度的高低。由于只注重客观上动作的培养而忽视了学生”舞感”的培养,导致学生整体的舞蹈水平较低,在前期的进步之后,很难再进一步的提升。不同的学生在学习过程中会对舞蹈产生不同的情感体验,这用眼睛很难发现,但是在后期的培养学习中学生的特点和缺点都会显现出来。为了培养学生的内心情感,中职教师可以通过以下几个方面:(1)注重培养学生的眼睛。俗话说”眼睛是心灵的窗户”,观众可以从一个优秀舞蹈者的眼睛中得到很多的信息;(2)训练学生的面部表情。虽然眼睛的表现很重要,但是舞者的表情也能决定观众的观看心情和情感等。通过这些方面的培养,能加强学生的内心情感。

  (二)外部肢体动作的培养

  教学中应着重培养学生的舞感。舞蹈是舞蹈者运用肢体表达动作,结合自身情感表现的艺术形式中的一种。对学生的舞感的培养的主要方法就是使学生的舞蹈动作更加标准。学习舞蹈的学生不仅要求肢体协调性好,还要求学生有敏锐的观察力和良好的身体条件。经过系统的基本功训练后,能做到美化学生的身体线条,使学生的肢体变得更加灵活的作用。在此基础之下,学生就能很容易的找到舞蹈表现力表达的技巧。因此教师必须在教学活动中努力让学生把动作规范化以便于良好舞蹈习惯的养成。中职教师应该以基础的肢体训练作为基础,以培养学生的领悟能力和舞感为标准,努力做好舞蹈教学工作。并且舞蹈的情感不只依靠一个动作或者一个部位来表达,而是应该在举手投足之间运用好舞蹈的气息,培养好学生气息韵律的运用是让学生领悟作品、培养舞感的途径之一。

  三、结语

  舞蹈和音乐都是艺术形式的具体表现,但是和音乐相比,舞蹈是具体的,一个完整的舞蹈不是死板的,需要舞蹈者充分运用自身的舞蹈动作来抓住观众的眼睛,而最重要的是情感的表现,优秀的舞蹈作品需要表演者投入充足的情感,这里说的情感就是所谓的舞感。舞感的表现决定了舞者的舞蹈技巧是否精湛,表现的舞蹈能否令观众折服,所以舞感的培养是舞蹈教学中的重中之重,是舞者舞蹈时的灵魂。在中职的舞蹈教学中,加重对学生”舞感”的培养,更有利于学生的舞蹈进步,从而推进舞蹈的长远发展。

浅谈多元文化语境下的舞蹈课程文化建设

  课程是学校教育教学实施的重要手段,学校的教育功能通过课程来履行和实现。学校文化由于不同的功能,细分成不同的文化属性,比如管理文化、环境文化、精神文化、课程文化,等等。课程文化代表着学科的专业特点,也成为学校文化、学校精神的核心。课程是学校育人功能的理想载体,课程文化是由该学校管理者、教育者在课程建设等诸多环节逐渐形成的一种整体风格。”课程文化决定着学校文化的主题”。舞蹈教育是一个特点明显、内涵丰富的学科。在多元文化的背景下,如何构建多元的课程文化,如何提炼舞蹈课程内涵和拓展课程广度,成为值得舞蹈教育界思考的问题。本文对课程文化作出阐述,并对新时期舞蹈教育的课程文化建设作探究。

  一、”文化”与”课程”

  教育的功能就是进行文化的传承,课程也是教育传承文化的重要形式。教育的课堂教学是文化传播的平台,课堂教学起源于文化传承的需要,教学本身就是发现、传递和创造文化的重要手段,课程的目的也就是传承文化和知识创新。课程源于文化传承的需要,复制和传递文化也是课程的重要使命。课程是学校教育的直接体现,它也是教育文化传承的工具和载体,改革教学模式,转变教学观念,也必须以转变课程文化观念为基础。课程是学校教育的重要工具,往往成为时代主流文化的”代言者”,更多具有文化诠释、传递的职责,缺乏反思、创新的品质,而在发展和演进中形成特定的文化锁定现象。”课程被赋予以文化的内涵、人文的气息,越发体现出其超越学科知识、培养学生人文素养的重要意义,没有文化的课程是没有价值的。””课程中的文化一方面是社会发展的成果沉淀,另一方面又是社会发展的动力之源”

  课程文化也就是教育的学科知识传授的一种模式,从文化概念的不确定性和课程内涵的复杂性可看出课程文化的多变性,教育中不同学科的教学都离不开具体的文化传统,也离不开具体的教学手段、教学方法、教学目的以及教学内容调整等等,这些实施手段都有文化传统的印记。”课程文化以其特有的视角体现了教育对人类文化的选择。借助于学科课程的文化价值和精神财富,把刻在学科知识技能中的价值观念、审美情趣、思维方式和行为规范等加以挖掘和提升。”体现在具体课程中的文化,主要包括具体课程教材中带给学生的显性知识,也就是课堂中所传授的概念化的文化知识,以及课程所涉及的隐性的如审美、观念等知识,通过课程教学过程能达到使受教育者逐渐内化为自觉的文化信仰和价值观。如何从理论与实践层面重构课程的文化品性,使课程能由文化工具存在转化成为文化的主体存在,成为新时期教育发展的重要课题。

  二、多元文化背景下的课程文化

  上世纪中期,由西方少数民族文化和女权运动带来的民族复兴运动,并由此而形成的全球多元文化趋势已势不可挡。多元文化的兴起对传统教育形成了全新的挑战,即带来了文化的冲击,也促进了全球文化的多元性。多元文化尊重文化的多样性和差异性,以达到文化间的互相欣赏和理解,彼此”各美其美,美人之美,美美与共,天下大同”。多元文化教育是多元文化运动的产物,多元文化教育也成为多元文化社会发展的重要途径,使教育推进教育价值观的多样性,推进多元文化教育间的相互理解,共建多元文化与个性化共存的教育模式。”文化的多样化和个性化是问题的两个方面,多样化是从数量上保证个性化得以实现, 个性化是从质量上促进多样化的发展。”

  多元文化教育也引发了社会对传统一元化教育的反思,并带动了教育的全面改革,多元文化教育强调构建培养学生对多元社会的适应能力和发展能力,日渐成为现代教育课程文化实施的主要目标。在多元文化冲突的当下,课程文化建设已成为教育改革的重要内容。”多元文化课程为当今世界课程改革注入了新的活力, 为新的课程改革提供了一种可供选择的路径。”

  在多元文化背景下,课程文化已成为现代教育改革的核心,课程文化是学校教育的主轴,也被教育家提升为”学校内涵的代表”;”学校’精气神’的表现”;它与学校的校舍建筑、人文景观、人际氛围一样,都是学校文化建设的重要内容。课程文化既是学科共性的代表,也是不同学科风格的体现,还包括课程的类别、序列、评价体系等诸多元素,它代表了学校文化最核心、最根本的成分。课程文化的关键是提炼课程内在的科学性,重视客观知识体系的掌握,同时还需拓展课程知识人文内涵的多元性、引伸性特点,能将课程知识的科学性与人文性的融合统一在课程的文化内涵之中。课程文化是在尊重传统文化基础上,善于对多元文化的吸收,并摒弃传统中糟粕,促进课程中多元文化的参与、共融。课程文化的构建体现出教师全面的教学能力和教学的风格,学校若能对课程文化的资源合理利用,方能使学校获得课程资源的优化和效率。课堂教学的改革和课程内容的更新,也是深化课堂教学的文化建设,将课堂教学的改革放在多元文化的背景下,就为新时期的课堂教学质量的提升提供了全新的视角。

  三、舞蹈学科的课程特点

  舞蹈教育是一个学科丰富的学科,涉及古今中外复杂多样的课程体系。我国的舞蹈教育经过不断的改革和完善,已形成具有丰富专业内涵和民族特色的课程文化和风格。舞蹈教育中的诸多课程,都是在传统文化基础上的多元文化融合,通过对课程内容创新性的整合,形成多元文化语境下的新型课程文化建构。比如,西方舞蹈芭蕾文化和现代舞文化的融入,拓展了中国舞者的舞蹈视觉空间和领域,更为我国舞蹈教育和舞蹈审美的多元性提供了可能,也使中国舞蹈表演和审美中的现代与传统、西方和东方形成冲突和多元发展的局面。舞蹈学科的人才培养有其历史和专业的特殊性,学科的专业性、技巧性较强。涉及的技巧性,就有其专业训练的复杂性和延伸性,传统的技艺传承方式较多模仿,师徒的技艺传授,其评价标准主要是技艺的高下。学校教育和专业舞蹈训练的兴起,对舞蹈人才的培养则要求既有专业技能又具备现代公民全面素质的人才,除了艺术专业技巧和创造能力外,还需学习文化史、艺术史、哲学,以及心理学、教育学等人文知识的课程,提升文化素养。

  舞蹈学科的专业课程中有较多的”训练”概念,”训练”的定义主要针对某些特定技能而言,它是技术能力提升不可或缺的环节。舞蹈基本功训练是技巧发展的基础,包含舞者的软开度、协调性、平衡能力、控制能力、肢体力量以及敏捷性等诸多素质。技巧课程的特点往往是模仿、重复、规范、熟练,训练要求由浅入深、循序渐进、持之以恒等。技巧课的目的要求学生娴熟掌握某些专业特定的技能技巧,逐渐达到肢体的舒展与美化,以完成舞台的技巧展示和完美表现。训练是为了最终掌握某种舞蹈技巧和能力,对个人和集体所实施的一系列规定的步骤和方法。针对舞蹈的技巧性特点,如何提升技巧课程的文化含量,既是提高训练科学性的可靠保证,也是课程内涵延伸的有效途径。现代舞蹈教育是一个全面而系统的体系,最终结果也贯穿受教育者终生。训练可能是标准统一、准确可测的 ;而教育可能达到的是风格多元、不可预测的,将使受教育者内在终身受益的。面对文化的多元性,倡导舞蹈课程文化内涵的提升,以适应教育的现代化,加强课程文化建设就成为新时期舞蹈教育发展的必然选择。

  四、舞蹈课程文化建设的措施

  深化课程文化是舞蹈教育的重要内容,也是舞蹈教育改革的必然选择。舞蹈的课程文化建设是一个系统工程,需要学校管理者积极的激励和管理措施,需要教育者积极的探索精神,也需要学生积极参与和互动的热情等。需要深厚的课程的理论素养,更需要课程实践的智慧,教师深厚的专业学养,灵活的教学方法,巧妙的教学场景设计,丰富的教学手段,实现着对课程文化的拓展和转换,既是对传统文化的传承,也是对多元文化的融合,更体现出学校教学管理对课程文化资源的开发与创新。

  (一)舞蹈课程文化建设是深化舞蹈教学改革的必然选择

  舞蹈是人类文化的重要组成部分,舞蹈教育与人类文化互通共融,教育者将它们有机整合,注重人类文化对舞蹈教学、舞蹈表现、舞蹈审美的滋润,就能使舞蹈的课程文化更为生动,也能使舞蹈文化更为充实和丰满。强化舞蹈课程文化建设是一个开放、多元的系统工程,既是对舞蹈课程内容的提炼和整合,也是对舞蹈学科内涵的深化。舞蹈教育本身就是审美的教育,舞蹈课程中的舞蹈文学、舞蹈史学、舞蹈美学、舞蹈教育学、舞蹈编导学、舞蹈心理学等诸多课程,都具有深厚的人文基础,舞蹈的教学能将这些课程文化转换成学生从事舞蹈教育和表现的巨大能量,在掌握民族和世界优秀文化中,得到舞蹈感悟认知的提升、舞蹈修养的充实以及人格完美的升华。”人类世世代代认识的文明成果,是社会文明、文化的思想观念,它作为前人积累的宝贵精神财富,构成了当代人继续从事艺术认识活动的历史经验和现实起点”。

  应将舞蹈课程文化建设落实在课程管理的教材选用、计划实施、内容审定等诸多环节中,形成教学的高度协调,密切配合。比如,舞蹈教材是教学课程的核心部分,即直接体现课程内容,也间接反映出具体课程的教学方式和教学设计,成为知识传输的重要工具。舞蹈课程管理中特别要注重专业技能与人文素质的整合和互补,教学内容的整合决不是简单地相拼相加,应当发挥舞蹈课程教学的鲜活性和直观性,增强其课程的生动性和感染性。舞蹈课程本身就是一种审美,它是人最具本真性的存在方式,教师以引导学生积极的知识探索为载体,并以师生的互动形式抒展课程智慧。

  深化课程文化内涵是通过课程教学中教师语言启发和氛围的感化,使学生形成一种稳定的心理品质,文化教育也是一种养成教育,古往今来丰厚的舞蹈文化为舞蹈教育的发展和课程文化的拓展奠定了厚实的学理基础,广博的舞蹈文化也与舞蹈教育形成一个互构的关系,舞蹈教育者应从中吸取其营养,充实其艺术生命。使舞蹈专业学生能在提升技巧的同时,也充分吸收舞蹈文化的滋养,能在舞蹈的艺术表现中,以鲜活的肢体形象打动人,以饱满的情绪感染人。

  (二)教师能力是课程文化传播的内在动力

  教师是舞蹈课程文化的实践者,又是舞蹈教学运行中的主导者。课程文化体现出教师对课程内容、精神的理解和课程文化的认同感,具体表现为文化观、行为风格、课程智慧。教师是课程与学生之间的桥梁,课程内容不通过教师全面的诠释,就不可能被转化为学生的知识储备。课程教学需要教师围绕教学目标,依据教材内容,全面地阐释课程文化。课堂教学中通过师生的互动,唤起学生积极的主体参与,获得对知识和文化的再创造,教师展现自身的教学智慧,体现出内在的文化内涵和活力。教师应该调动学生的主体性,积极思考,加深对课程文化的理解。教师不能将课程内容原封不动地照搬,而是要在课程主流文化内容的前提下,加以丰富和个性体现。其原则是不违背课程精神和标准,教师根据自身理解、教学经验、个人意愿等对课程内涵进行充实和整理,传输给学生的往往带有较浓的个人风格,超越课程内容和教材。课程文化实施需要教师善于营造课堂氛围,打造课堂效果,和谐的师生关系和良好的课堂氛围,使教学的互动与沟通得到心灵的碰撞,课程不是学习结果,而是学生经验的经历过程。

  课程文化的实施关键在舞蹈教师的能力创新,需要教师有良好的文化自觉和感悟,教师良好的专业素养极有利于课程文化的传递。教师完备的艺术修养是舞蹈课程文化传播和发展的内在动力,教师应不断提升自身对课程文化的反思能力和诠释能力。在不断学习和提升中,对暗含于课程内容之中的文化认同,结合自身长期积累的文化信仰,在教学运行中与学生交流从而实现其课程价值。课程文化就是教师以特有的视角对课程内容的选择,教学中面对相同的内容而由于教师对课程内涵的理解不同,教学方法的不同会产生不同的效果,具体的实施体现出教师对课程文化的诠释和教学技巧。课程文化是通过教师对课程以及相互联系的内容的提炼和整合,在教学中对学生形成与教学目标相一致的教学引导行为,教师在对课程的备课和实施中对课程内涵进行着选择和取舍,也是对课程内涵和文化的建构过程。教师不可一味的强调教学形式的标新立异,注意课堂教学的效率,在总结传统课程经验基础上的创新,弘扬传统的经验之道,又能有所创新。

  结语

  舞蹈是人类文化的组成部分,它的内涵蕴含着人类精神的全部内容。由于社会的进步,文化艺术也形成多元的发展,带来人们审美需求和情趣的多样化,促使我们以更为广阔的眼光来审视舞蹈教育的课程文化,构建起更为丰富、更具创新的课程体系。舞蹈教育不仅仅是提升舞蹈技艺,具有重要的文化教育功能。舞蹈教学本身都具有生动、鲜活的舞蹈文化的熏陶,更需要广博的人文素养的润泽,由此能有效提升学生的舞蹈感悟,丰富舞者的精神境界。舞蹈教师在教学中若能设计出丰富、具体的课程体系,拓展舞蹈课程文化,就能全方位提升舞蹈课程质量,它是培养高素质舞蹈人才的重要途径,也是时代赋予舞蹈教育的管理者和教育者的重要使命。挖掘课程内在价值,深化课程内涵,已成为新时期舞蹈教学理论层面和教学实践急需解决的问题,笔者相信伴随舞蹈教育参与者的课程改革自觉意识和课程创新能力的提升,舞蹈课程文化的建设将出现一个崭新的局面。

谈四川民间传统舞蹈发展中的文化传承

  民俗体育是人们在特定的时间和空间范围内创造的,使民众得以传承和使用,并体现在人们的的日常生活和祭祀中,具有传布性、非官方性、集体性和模式性等特征,不仅是一种体育文化,也是一种生活文化,民俗体育活动体现了人们的生活状况和生活水平,是一种人们真实情况的体现,同时也从另一个层面体现了当时社会状况和生活水平,和当时人们的人文风情、经济水平和祭祀活动有着十分紧密的关系。我国民俗舞蹈在不断研究过程中,民俗体育受到了学术界的普遍重视,从体育视角研究我国民俗地区的舞蹈不是很多见。所以,文章主要从体育角度研究四川地区民间传统舞蹈的主导内容、形式、传承方式,以让人们更加深入地了解四川地区体育文化,同时也为相关的研究提供借鉴。

  一、体育文化特征下的四川民间传统舞蹈

  谈到舞蹈,大家会不自觉地想到舞台上伴歌伴舞的舞蹈艺术,而本文提出的传统舞蹈为什么会是体育舞蹈呢?这就要谈起舞蹈的根源。原始社会的人类要通过肢体活动表达内心的喜怒哀乐等心情。在漫长的生产实践中,人类发现一些本能的技体活动能促进其身心的发展,从而组织了这些奇妙的活动,产生有规律的运动,古籍中解释为”舞”。古代文献这样记载帝尧时期,有一个叫明氏的人在观察生活实践时,通过自身整合形成了适合活动肢体的健身操,被称之为”守肖肿舞”。这些舞蹈满足了当时人们的生理需要。这些生成的舞蹈,无论是作用,还是形式与今天所定义的体育活动有相似之处,在我国古代娱乐性体育活动中发挥了重要作用。尤其是在民间祭祀之时,丰收之后,农闲之余,舞蹈都是一种主要的形式。我国古代不存在”体育”一词,许多体育活动都被称之为”舞”,如剑舞绳伎舞、赚鞠舞、等一些健身或技巧游戏都被称之为”舞”。后来经过发展,部分舞蹈逐渐呈现一种舞台化与职业化和方向态势,并发展形成了用于观赏的舞台艺术。然而,少数民族地区尤其是四川少数民族地区,利用舞蹈形式娱乐身心,这种活动至今仍然存在,是民族传统体育活动的主要形式之一。民间舞蹈形成于民间,同时也流行于民间。这种舞蹈是自创、自演和表现的舞蹈,反映了当地人们的生活状况,体现了劳动人们的精神面貌,具有浓厚的地方特色,体现了先民的民族风格。民间舞蹈以古代舞为载体内容。古代四川地区具有”天府之国”的称呼,集山川文化于一身,具有显著的地理特征,同时也形成了丰富多彩、历史悠久的民间舞蹈。早期殷商的文字记载就有四川地区舞蹈。到了西周时期,这种舞蹈得到进一步发展,汉代时期的《巴渝舞》已经生成。唐宋年间普遍出现了舞狮、舞龙和祭祀舞蹈,在一些大的节日和盛会中还会出现这种舞蹈。

  二、四川民间传统舞蹈的类型

  (一)自娱舞蹈

  自娱性舞蹈与人类关系非常密切的一种舞蹈方式,其主要是为了娱乐人们的身心。社会发展使自娱性舞蹈不断调整其表现形式,其形式不再是传统的民族舞蹈,转而呈现多元化舞蹈风格发展。自娱舞蹈的表现形式没有参与人数的限制。自娱舞蹈表现形式是包容的和开放的,是一种不受人数限制的舞蹈表现形式。舞蹈动作坚持简单性原则。如广场上出现的自娱性舞蹈,整体特点是简单易学。自娱舞蹈的表现形式限定参与人数。因为自娱舞蹈限定了参与人数,究其原因,场地是其中原因之一。因为场地没有广场、公园大。其表现形式多适用在歌舞厅、健身房和舞蹈教室等地方。针对歌舞厅的舞蹈形式,有交谊舞和夜店舞。健身房和舞蹈教室设置的舞蹈课程使用多种舞蹈风格,如街舞、国际标准舞风格舞和民族舞等。为了健身,许多人去跳舞,此外,主要的原因还是对舞蹈的喜爱。自娱性舞蹈在当今社会传播中中的表现性是多样的,它的存在有着重要的意义。自语舞蹈可认为是限定参与人数的表现形式,看起来像是专业化路线,然而这种形式仅是通过专业人士的指导与专业化的教学方式,进一步让民众知晓这种舞蹈的风格特征。民众生活水平不断提高,自娱性舞蹈的受欢迎程度将进一步提高,同时随着时间的推移将会对我们的生活产生广泛的影响。

  (二)游戏舞蹈

  游戏舞蹈借助游戏性表达舞蹈的娱人性和自娱性,和自娱舞蹈一样,没有时间和空间上的限制。游戏舞蹈是人们提炼了日常生活中的军事作战、生产劳动等活动,是一种舞蹈的提炼和再加工、再创造,从而使得这种舞蹈的表演性更加强烈,不仅具有自娱的作用,此外还具有娱人的作用。基于舞蹈性质的不同,舞蹈有两种形式的划分:模拟性舞蹈和游艺性舞蹈。模拟劳动舞蹈多是模拟生产劳动,通过歌舞的表现形式将生活和生产的性质再现出来,如:纳西族的《凯泽多几》、彝族的《介子舞》和《插秧舞》等。游艺性舞蹈利用游艺性的舞蹈实现自娱或者是娱人的目的,多是通过假定情形下的游戏特征或者是玩耍道具,体现了再造情景或者是展现技艺的性质。此外,这种舞蹈还可以模拟军事演变中的舞蹈,如:羌族的《哈日》,藏族的《神兵》《卡斯达温》,彝族的《公鸡打架舞》《铁叉舞》和《火蝇舞》等。

  (三)礼俗舞蹈

  礼俗舞主要用于婚丧嫁娶。我国西南地区的兄弟舞蹈中盛行歌舞、节日活动和风俗,是男女双方沟通的桥梁和媒介,所以体现了较强的社交功能,得到了男女青年的普遍喜爱。这类舞蹈统称为婚事舞蹈,包含了定情时唱的舞蹈、恋爱阶段唱的舞蹈和婚礼上唱的舞蹈,如:羌族的《沙朗》、土家族的《采戏》、苗族的《婚礼舞》等。丧葬舞的主要形式有丧葬前的娱尸舞和丧葬后的祭祀舞,这种舞蹈体现在具体的丧事举行活动中。丧葬舞的娱乐对象是尸体,实际娱乐的对象却是死者的灵魂或者是死者的家属,再将死者灵魂娱乐的基础上,也将生者的内心情感宣泄出来,感受到尽情娱乐过后带来的快乐。四川地区的民众比较重视丧葬活动,如今形成的丧葬舞蹈形式已经比较成熟,遵循了约定俗称的表演规则,具有丰富的数量,如:土家族的《打绕棺》、纳西族的《刀舞》、羌族的《盔甲舞》、彝族的《蝶维兹》、壮族的《破地狱》等。

  (四)祭祀舞蹈

  汉族民间舞蹈在多民族民间舞蹈中扮演着重要的角色,和其他民族比起来,汉族民间舞蹈具有风格多样化、范围广、类型多特点,是构成中国文化的不可或缺的部分。祭祀舞蹈不仅具有极强的观赏性,更承载了深厚的文化内涵,具有丰富的文化研究价值。民间舞蹈传承了傩文化。傩是一种原始祭礼,体现了神秘性和古老性,多分布在贵州、四川和江西等地,由演员充当傩神,为当地人民驱逐鬼神和文艺,需要佩戴柳木面具,具有较大的身体摆动幅度,体现了浓厚的原始舞蹈特色,受到汉族人们的普遍喜爱,同时出现了”十二神舞”和”方相舞”。社会在不断前进的同时,也丰富与更新了文化,改变了传统的傩,转而呈现幽默性与娱乐性的特点,强调表达娱乐成分。祭祀舞蹈传承了土地祭祀文化。民间祭祀中的土地祭祀看到最多的当属社火,也叫做是社祀,传统了社会遗风。远古时代的人们膜拜图腾,这发生在祭祀的初期,因为远古时代人们有着低下的思维能力,且生产力有限,相信存在神灵,相信神灵主宰自然界,于是开始了传播祭祀文化,直到今天,祭祀文化得以保存下来,体现在当地大规模的、重大的节日民族祭奠活动,同时辅助了汉族民间舞,主要是为了更好地突出文化的氛围。祭祀寄托了人们的希望与祈求,表露了人们的期望,将希望寄托在所信奉的对象或者是神灵身上,使当地民众产生归属感,从而也体现了文化韵味。我们是新一代的青年人,具有现代化视角,需要吸收并传承中国的传统文化,学习汉族的民间舞蹈的同时,尊重祭祀文化,更好地传承汉族民间舞蹈的祭祀性。

  三、四川民间舞蹈的传承形式

  和所有其它的舞蹈一样,多数的民间舞蹈能适应社会的发展,以极强的生命力存续下去,其中一种主要的原因就是传承,能够实现代际间的传承和承接。我们要做好对其的保护与传承工作,实质就是要做好中国文化精神与民族审美心理的继承与发扬光大。民间舞蹈的传承形式主要有两种:静态传承和动态传承。

  (一)言传身教式的动态传承形式

  民间舞蹈将身体作为中介,通过亲身传授和语言教育,传承了由上一辈舞蹈表演者传承下来的技巧、技能和技艺,身教方法看重学习者理解和掌握技术动作。言传身教也是一种比较高效的舞蹈文化传承方式,被传承者在长者的指导下通过不断学习,逐渐形成了对民间传统舞蹈的传承,正是这种传承,才使得民间舞蹈的传承有了可能。

  (二)媒介式的静态传承形式

  传承形式汇总有一种是以文字和图像相结合的形式,对保存、传播和发展四川民族舞蹈起到了重要的作用:1.文物类:主要包括各种出土的文物,像成都百花潭出土的水路攻占铜纹壶与广汉三角出土的青铜祭坛等;各地出土的木雕、舞蹈陶俑和石刻、画像等,此外还有明代流传的的茂县羌族鼓舞图、绵竹木板年画上的舞蹈图等;2.文字类:涵盖了各种史志,如:《竹枝词》《二十五史》和《山海关、海内经》等,这些都是有关四川民舞舞蹈中有关文字的记载;各种论述,如:《四川凉山彝族传统舞蹈研究》《中华舞蹈志·四川志》等,同时还包含有各种舞蹈理论、评论和研究等;3.音像类:如四川民间舞蹈中的比赛、表演和舞蹈晚会等。

  (三)传承人传承

  这类传承多是民旅舞舞艺人、民族民间能手,尤其是祭祀舞蹈中的巫师,如芜族的释比与如彝族的毕摩等,有目的对年轻一代的舞蹈者开展师承教育。此外,艺术院校和民族院校一些系、科、班就其学习目的是为了让少数民族的舞蹈文化得以保存,除了教员教授外,此外如有组织地专门要求民族老艺人传授族内年轻舞蹈者民族舞蹈。这些祭祀舞蹈中的巫师、民族民间艺人、民族民族舞能手成为民族舞蹈的传承者,他们不仅是少数民族舞蹈的传承者,而且也是发展者,对民间舞蹈的传承起到了承前启后、承上启下的重要作用。

  (四)群众直接传承

  全部的舞蹈表演者都受到了本地区民族文化与自然环境的双重影响下,并慢慢形成了对民间舞蹈的表演形式、风格与品位的掌握,四川少数民族地区所有的民族成员从出生那一天,就受到了特定的自然与衬会环境的陶冶,从小接受了民族舞蹈的感染,并且不断掌握高超的技艺,通过不断变化,在千百年的民族舞蹈形式演变中,获得了新的生命。

  四、结语

  四川民族舞蹈是一种悠久的历史文化,从不同的层面反映出四川地区人们群众的风俗民情,如婚丧习俗、节庆娱乐和民族特征。四川地区的社会交往功能十分丰富,集娱乐、休闲和健身与一体,在长时间的历史发展中,丰富了当地人们的生活,提高了群体凝聚力,为社会注入了活力,是社会活动重要的组成部分。随着四川地区近些年的发展,民族舞蹈的传承和保护工作受到当地和国家政府的高度关注,这方面的舞蹈品种有锅庄舞、巴塘弦子舞与羊皮鼓舞等,并获得了省级和国家级的非物质文化保护遗产,促进了四川民族舞蹈的保护和开发。我们应该及时采取有效的措施来做好中国民族民间舞蹈的传承与保护工作,最大限度的保留好中国民族民间舞蹈的传统特色和民族个性。目前,我国体育文化在向前迈进的同时,四川地区传统舞蹈文化理应受到政府的高度关注,考虑到四川地区民族舞蹈的属性特征,提高民族舞蹈素质,促进民族舞蹈理论和实践不断发展,为民族舞动的健身运动提供平台,融入传统和现代等手段,促进四川地区民族舞蹈朝向更加健全地方向迈进。

动作结构在舞蹈创作中的作用分析

  舞蹈动作是情感表达的肢体语言,它的结构决定着舞蹈的好坏。一段令人惊心动魄的舞蹈必然经过动作结构的层层筛选、把握,倾注着编舞者的情感和心血。现阶段的舞蹈创作仍面临诸多问题,须深究其原因,并进行反复的纠正、改善,从而使舞蹈充分发挥其作用,使得舞蹈创造者领悟动作结构在舞蹈中的重要性。

  一、舞蹈创作中动作结构的研究内容

  ( 一) 动作结构的概述

  动作结构是舞蹈的重要组成部分,舞蹈就是由一个个具体的动作组成。在舞蹈领域中,动作结构就是对舞蹈的分解,是舞蹈的基本组成元素。在学术界,不同的人对动作结构的概念持有不同的看法。例如,李承祥认为动作结构是舞蹈整体的一部分,是为了表达艺术作品内部之间的联系和规律而进行的布局和设计。贾作光则认为结构是对组成舞蹈的所有元素的安排。而组成舞蹈的元素有很多,例如舞蹈的形式、风格、思想、内容等均属于组成舞蹈的元素。隆荫培认为舞蹈结构就是以舞蹈所要表达的思想为依据,对舞蹈创作材料进行合理地布局,而其主要目的是为了更好地突出舞蹈的主题。通过对前人文献资料的分析和研究,笔者认为动作结构就是对舞蹈动作的分解。如果重新布局、设计动作结构可以形成不同风格的舞蹈。在舞蹈创作过程中涉及到的动作结构比较多,而在舞蹈领域中又有很多关于动作结构的专业术语。下文将对其中几个比较重要的术语进行介绍。第一,介绍 “意”。”意”字有很多种解释,但在舞蹈领域中将其解释为 “意念”。这是进行舞蹈创作的关键性因素,舞蹈创作者只有在意念的引导下才能获得创作的灵感。第二,介绍 “方位”。在舞蹈创作领域中,方位可以理解为空间位置。而空间位置可以分成两种形式,一种是人体所在的空间位置,既包括人体部位的在整个空间中所处的位置,同时也包括人的意念所处的空间位置,这里所指的空间位置已经超越了物理意义上空间位置的限制。另一种是自然的空间位置。自然的空间位置可以按照前后、左后的方式进行划分。第三,介绍 “次序”。在舞蹈领域中,意念应先于动作。在确定了意念以后,动作的次序应按照下述方式进行排列。首先是静态人体造型设计。其次是人体各个部位的动态造型设计; 最后要将这些动作衔接起来,形成完整的舞蹈。除了上述介绍的这些术语以外,还有 “幅度”、”力速”等术语,由于篇幅有限,这里就不再进行详细地介绍。

  ( 二) 动作结构的研究

  从教学层面来讲,进行动作结构研究的主要目的是为了让学生可以更好地理解动作结构,掌握动作结构,并将其应用于舞蹈创作中。从舞蹈创作的层面来讲,进行动作结构研究的主要目的是为了追溯舞蹈的起源,并开发舞蹈创作者的潜能。以中国古典舞为例,其中很多动作结构都已经形成了固定的模式,例如 “兰花指”、”山膀”等。而这些动作模式又具有一定的文化背景,是经过多年发展后才逐渐形成的。随着时代的发展,中国和世界之间的交流不断增多,很多外国文化开始传入中国,并融入到中华传统文化之中。在这种背景下,传统的动作语言已经不能适应新的文化形势,必须要加强对动作结构的研究。

  二、中国舞蹈创作中存在的问题

  舞蹈具有时代性,一个年代有一个年代的舞蹈特征,在 21 世纪,舞蹈开始进入一个新的时代。新时期的舞蹈受到了越来越多人的推崇,从专业舞蹈到具有娱乐性质的广场舞,无一不带有娱乐特性。然而,随着舞蹈的流行,舞蹈创作在这个冗杂的环境中,面临着巨大的挑战,也存在过多或少的问题。舞蹈涉及到的领域广,与文化程度息息相关。由于各方面因素的影响,舞蹈创作也受到了很大的阻碍。只有对创作过程中出现的问题进行分析,才能提出合理的解决办法,提高创作的效率。

  ( 一) 舞蹈创作的形式化

  舞蹈是舞蹈创作者的情感体现,是对生活中某件事或某个场景或回忆的感情的表达和抒发。一千个读者就有一千个哈姆雷特,所以,不同的舞蹈编剧对同一个题材的情感表达必然不相同,也就会有不同的舞蹈形式和舞蹈动作。然而,当下舞蹈创作中抄袭现象泛滥,舞蹈创作者普遍复制经典舞蹈作品中的经典动作,不能推陈出新。舞蹈的种类颇多,不同的舞蹈表达不同的情感。现在,大部分舞蹈创作的形式化过于明显,不能自由地完全表达出编舞者的内心情感,单一的舞蹈模式不能顺应时代的发展、引领舞蹈的潮流,使得舞蹈学员只能领悟到肢体动作,不能深入体会舞蹈的精髓,大部分舞蹈者只能是模仿其舞蹈动作,使得舞蹈作品形式化、肢体化,与用身体动作来传达感情相矛盾。这是我国舞蹈创作中普遍出现的问题,它的解决能使舞蹈艺术上升一定的层次。

  ( 二) 缺乏内涵

  新时期的舞蹈发展在前进的道路上摇摆不定,观众越来越不明白舞蹈表演者真正的意图,表演者也不能充分领悟到舞蹈所表现的真正情感。从进入 21 世纪之后,舞蹈的内涵逐渐缺失,舞蹈的即兴表演越来越多,没有主题的舞蹈比比皆是,舞蹈创作的随意性增加。舞蹈出现在舞台的机会也越来越多,大大小小的晚会都离不开舞蹈,舞蹈成为晚会不可缺少的环节。然而,舞台上的舞蹈作品的形式各种各样,有的是为了比赛,有的是为了酬金,不一而足。舞蹈是一种艺术,如果沾染了功利,则不能发挥其真正的价值。

  舞蹈情感的缺失导致了舞蹈作品的内涵降低,一部没有情感的舞蹈作品像是没有思想没有灵魂的人,缺乏了情感,没有了内涵,表演者只是在刻意模仿舞蹈的动作,便失去了舞蹈本身所具有的感染力。如果表演者不带有感情色彩,将不会带动现场气氛,所表演的舞蹈也不能感染在场的观众。正验证了一句话,一部舞蹈作品首先应感动自己,如果不能感动自己必然不会引起观众的共鸣,不能真正发挥舞蹈的魅力。

  ( 三) 题材与内容的不相符

  大部分舞蹈创作者往往忽视了舞蹈的展现形式。对于舞蹈创作来说,首先应确定舞蹈主题,舞蹈主题是舞蹈的核心。在确定主题之后,结合主要抒发的情感来确定舞蹈的表现形式。然而我国大部分舞蹈编剧往往过于注重主题和情感的展现,而忽略了舞蹈合适的表现形式。一些编剧过于注重舞蹈的华美和肢体动作的优美,而忽视了真正要表达的感情,造成主题与舞蹈内容出入很大。要做到舞蹈主题与舞蹈内容相对应,应选取适当的题材,既能表现出浓厚的情感,也能反映当时的生活背景和时代特征。在进行结构创作时,应注意把握做什么、如何做,使得舞蹈动作符合一定的艺术规律,充分展现舞蹈艺术的魅力,既能动作优美又能撼动人心。然而我国大部分舞蹈创作者对题材和内容不相符的问题重视度远远不够,造成了新时期舞蹈逐渐脱离了艺术的轨道。

  三、中国舞蹈创作中存在问题的成因

  我国现阶段舞蹈创作出现的种种问题,都有其一定的原因,只有对形成原因进行系统地分析,才能提出彻底解决问题的办法。本文主要从以下三个方面进行分析:

  ( 一) 脱离实际

  舞蹈创作出现问题的根本原因便是脱离实际。如果舞蹈创作脱离实际生活,就等同于虚构,不能达到感染观众的目的。艺术来源于生活而高于生活,舞蹈作为艺术的一种表现形式,如果脱离了实际,创作者没有切实的生活体验和体会,就不会迸发出创作的灵感,也不会倾注本身的情感。情感是舞蹈作品的核心,是舞蹈创作的灵魂,是评判作品好坏的关键,如果丧失了真实的情感,则会沦为一部失败的作品。容易导致舞蹈作品的形式化,也会使舞蹈创作的内涵缺失,使舞蹈失去艺术的魅力。

  ( 二) 目的性强

  为了满足人们的精神需要,大部分舞蹈编剧的编舞任务繁重,常常在规定的时间内完成数量较多的舞蹈作品,由于负担过于沉重,一些舞蹈创作者为了完成限定时间内的任务,常常进行虚构,使得舞蹈的情感缺失,内容空洞,不能反映某一社会、生活现象,导致了题材和内容的不相符合。另外,随着社会的发展,越来越多的文艺晚会和比赛随之出炉,使得舞蹈带上了功利的面具。舞蹈本身是为人们服务,供观众欣赏,为了吸引观众。晚会的舞蹈形式多种多样,比赛者利用人们的好奇心打心理战术,使得舞蹈失去了本身的艺术力,而成为晚会的娱乐形式以及竞赛的工具。这很容易造成舞蹈创作形式化、空洞化,造成题材和内容的不符。

  ( 三) 忽视了动作结构在舞蹈创作中的作用

  舞蹈的情感表达主要通过肢体动作来体现。忽视动作结构在舞蹈创作中的作用是造成舞蹈问题出现的根本原因。一段完整的舞蹈是由连贯的动作、面部丰富的表情、身体合理的转动等组成,如果仅仅靠创作者单一的想象,很难使舞蹈的情感表得淋漓尽致。动作结构可以使舞蹈创作者直观的感受到舞蹈的不足之处,通过对动作结构的剖析,反复的修改,才能创作出完美的作品。但是,我国大部分舞蹈编剧都是根据主题和表现形式选择好适合的题材之后进行动作的勾勒,并没有对动作结构进行深层次、多方面的分析,因此造成了舞蹈的情感表达不到位、舞蹈的内容缺乏创造性。

  四、动作结构的表现形式

  ( 一) 从神韵表现

  动作结构的表现形式多种多样,其中神韵的表现不仅仅要求表演者具有高超的表演技巧,还能体现动作的节律性。感情的表达不仅仅完全依靠身体语言,表演者的神情往往会很大程度的影响表演的效果,它需要表演者充分领悟创作者的感情,并全身心的投入表演,才能给观众一场视觉盛宴。此外,身体的韵律是舞蹈表演中动作结构的关键,什么时候快、什么时候慢,都要根据情感的深浅来确定。

  ( 二) 从动作表现

  舞蹈动作是构成动作结构的最主要的部分,在舞蹈动作中,动作的连贯是首要问题。它不仅仅要根据人的身体来进行合理的勾勒,而且分为高、中、低三种难度系数。在一场舞蹈表演中,要难度适当,既要考虑表演者的能力,又要注重动作的一气呵成。动作的连贯与否是决定舞蹈表演成功的关键因素。舞蹈动作的完成需要进行一遍一遍的反复练习,在练习中体会编者的情感,熟能生巧才能准确无误的做出每一个动作,才能使舞蹈表演取得成功。

  ( 三) 从力度表现

  舞蹈也像音乐一样要求抑扬顿挫、松弛有度。舞蹈动作的力度也是动作结构表现形式的一种。民族舞讲究柔美但刚柔并济,它与太极相似,要求以柔克刚,以柔美为主但不失力度; 爵士舞讲究身段曲线的张弛有度; 街舞要求动作的敏捷和自由。每一种舞蹈都有不同的表现形式,但都应注重其表现的力度。动作力度过大,会使得表演显得浮夸; 如果过小,将不能体现出蕴含的情感,这需要表演者具有扎实的舞蹈基础。

  五、动作结构在舞蹈创作中的作用

  ( 一) 能够提升个人修养

  舞蹈作为一种艺术形式,理应反映一定的社会现象。这就需要舞蹈创作者深入到生活中,从生活中寻求、搜集、整理素材,如果没有良好的个人修养,这些工作的进行将会受到阻碍。要想对生活中的素材进行高度的浓缩和整理,使其产生一定的反响,反映一定的生活现象,这就需要舞蹈创作者不断提升自己的专业素养。一部好的舞蹈作品要使观众看得明白,要使观众与表演者产生共鸣,这些都需要舞蹈创作者进行整理、勾勒,也是对他们个人修养的高度体现。

  ( 二) 能够提高专业基础

  舞蹈创作者必须首先是舞蹈表演者,只有了解舞台的场景和动作如何衔接通畅才能创作出优秀的舞蹈作品。在进行舞蹈动作理解时,不仅仅要求舞蹈表演基础,还要求舞蹈创作基础。优秀的舞蹈作品需要表演基础扎实的表演者进行展现,还需要创作者进行整体的构思。舞蹈动作表演者必须提高自身的专业基础,才能在舞台上展现出优美的舞姿,才能渲染现场氛围,感染在场的每一个观众。舞蹈创作者必须提高自身的创作专业基础,才能根据表演者的心态和舞台的布置对舞蹈动作做出合理的衔接,才能使一部舞蹈作品长远流传、令人深思。

  ( 三) 能够重新审视艺术高度

  舞蹈是艺术的一种形式,它具有艺术独特的魅力。它要求表演者和创作者具有一定审视艺术的高度。只有改变自己的艺术价值观才能充分展现舞蹈艺术的特征。舞蹈具有时代性,每一个时期的舞蹈都能反映时代的特征,因此,舞蹈的创作需要编舞者具有时代精神,具有艺术意识; 它需要表演者不仅仅具有良好的个人素养和扎实的专业基础,也要求表演者能站在艺术的高度对舞蹈进行审视。

  小 结

  通过对舞蹈动作结构的研究,认清了它对于舞蹈创作的作用。整体把握舞蹈动作结构对于舞蹈编导者来说,能增加创作的灵感,对舞蹈动作进行升华。动作结构是舞蹈创作的最主要的因素,它可以以最直观的方式反映舞蹈的内涵,充分体现创作者所展现的舞蹈作品的中心思想,也可以对舞蹈作品中的不足之处进行及时的纠正。

浅论甘孜州音乐舞蹈类“非遗”的传承

  甘孜州,全称甘孜藏族自治州,是我国的第二大藏区,也是康巴的核心区。位于四川省西部,地处中国最高一级阶梯向第二级阶梯云贵高原和四川盆地过渡地带,属横断山系北段川西高山高原区,青藏高原的一部分。甘孜州成立于1950年,是新中国成立后建立的第一个民族自治州。甘孜州总面积15.3万平方公里,境内有藏族、苗族、彝族、羌族、回族、蒙古族、土家族、傈僳族、侗族、纳西族、满族、瑶族、布依族、白族、壮族、傣族等25个民族,其中,藏族占78.4%,是一个以藏族为主体民族的地级行政区。全州辖康定、泸定、丹巴、九龙、雅江、道孚、炉霍、甘孜、新龙、德格、白玉、石渠、色达、理塘、巴塘、乡城、稻城、得荣1个县级市17个县。生活在甘孜州这片土地的先民们创造了灿烂多彩、底蕴深厚的康巴文化:情歌文化、格萨尔文化、红色文化、香巴拉文化、宗教文化、其他民俗文化。这里是东女、嘉良、白狼、牦牛羌等众多部落联盟繁衍生息的地方,更是吐蕃发展经营的地方。有浓郁的吐蕃文化、氐文化(嘉绒)、党项文化(木雅)之风,还有土著文化、纳西文化、蒙古文化、中原秦晋文化的遗风。这里是情歌的故乡、是康巴文化的发祥地、格萨尔王故里、香格里拉核心区、嘉绒文化的中心、茶马古道的主线等,舞蹈巴塘弦子、甘孜踢踏、石渠真达锅庄享誉中外。还有国内仅存的白玉戈巴父系文化,道孚扎巴走婚习俗等独特的地域文化。红军长征途经甘孜州16个县,历时一年半之久,留下了大量的革命文物。甘孜州正是这样一个广袤神奇而又包罗万象的地方,孕育了多彩的文化,同时也留下了宝贵的非物质文化遗产。

  一、甘孜州音乐舞蹈类”非遗”一览

  非物质文化遗产(以下简称非遗),是指各种以非物质形态存在的与群众生活密切相关、世代相承的传统文化表现形式,包括口头传承、传统表演艺术、民俗活动和礼仪与节庆、有关自然界和宇宙的民间传统知识和实践、传统手工艺技能等以及与上述传统文化表现形式相关的文化空间。甘孜藏族自治州因其特殊的地域位置、文化交融、历史积淀,拥有了众多的非物质文化遗产,可谓文化珍宝。甘孜州共挖掘整理了400多项非物质文化遗产,其中,有21项被列为国家级非物质文化遗产,令人欣慰的是,这21项国家级非物质文化遗产中,音乐舞蹈类非遗项目就有11项,包括:川西藏族山歌、格萨尔(说唱)、玛达咪山歌、德格藏戏、巴塘藏戏、巴塘弦子、真达锅庄、木雅锅庄、新龙郭庄、德格卓且、得荣学羌。有23项被列为四川省省级音乐舞蹈类非物质文化遗产项目,除上文介绍的11项外,还包括:顶毪衫歌、康定溜溜调、色达藏戏、丹巴阿克曰翁(兔儿锅庄)、疯装锅庄、扎坝嘛呢舞、热巴舞、甘孜踢踏、灯笼卓钦、骨笛、德格劳动歌曲、巴塘歌卦。另外,还有石渠县的”箍箍卦”和甘孜县的”格达弦子”被列为甘孜州州级非物质文化遗产。

  在非物质文化遗产传承人的选拔认定工作中,一批优秀的民间音乐舞蹈及戏剧艺术家被评选为非遗代表性传承人。格萨尔(说唱)的传承人阿尼被选为国家级非物质文化遗产项目代表性传承人;格萨尔(藏戏)的传承人塔洛、秋吉和巴塘弦子的传承人格桑罗布、扎西、洛松达哇5位被选为四川省省级非物质文化遗产项目代表性传承人。为进一步做好非物质文化遗产的挖掘、保护和传承工作,甘孜州人民政府加大工作力度,又认定康定溜溜调的传承人毛云刚、风装锅庄的传承人阿布千千等34名民间艺术家为州级音乐舞蹈类非遗项目的代表性传承人。

  这众多的非物质文化遗产项目和代表性传承人都是这古老高原秘境中历史的积淀和文化的见证。

  二、找准载体,做好能动传承

  1.建立音乐舞蹈类”非遗”项目的精准档案库

  甘孜州政府十分重视对”非遗”项目的保护,对于这样一大批的宝贵资源,州文化局启动了摸底调研,建立了”非遗”档案。但在实地走访中,笔者调研发现,在甘孜州内,大部分县(市)已建立的”非遗”档案中,形式还较为单一,除一些文字记录外,基本都是一些简单的视频或音频影像资料,录制效果也是层次不齐。这使得能动传承音乐舞蹈类”非遗”在基础上就有缺失。最近,国家文化部全面启动了京剧”像音像”工程,工程选取当代京剧名家及其代表性剧目,采取先在舞台取像、再在录音室录音、然后演员给自己音配像的方式,运用现代科技手段,反复加工提高,留下最完美的艺术记录。笔者认为,在”非遗”档案的完善过程中,也可借鉴这一做法,运用现代化技术,保存下音乐舞蹈类”非遗”项目最完美的记录。据笔者了解,甘孜州已启动”康巴歌舞数据库建设”项目,数据库分弦子库、藏戏库、山歌库、锅庄库、综合库。”非遗”档案库和”歌舞数据库”应充分整合,互相借力,这样可给两项工作都降低一些人力和经济成本,又可充实两者的”库存量”。对于建立音乐舞蹈类的”非遗”精准档案,不能仅仅依靠政府文化部门,而应该形成一种联动工作机制。《关于加强我国非物质文化遗产保护工作的意见》就特别指出:”要组织各类文化单位、科研机构、大专院校及专家学者对非物质文化遗产的重大理论和实践问题进行研究。”鉴于甘孜州在”非遗”保护方面能力尚且不足的现状,笔者认为邀请国内外在”非遗”保护方面有丰富经验的专家学者参与建档是首要之急,同时,由文化部门牵头,组织相关部门、社会团体、本土音乐人、”非遗”传承人、高校研究团队等,共同参与到建档工作中。多方联动,力争建立一个甘孜州音乐舞蹈类”非遗”的精准档案库,给能动传承打下原样保护的坚实基础。

  2.培养一支专业的”非遗”项目管理人才队伍

  在档案库建立过程中,也暴露出一个保护与传承的基础问题:在甘孜州,目前还缺乏一批从事音乐舞蹈类非遗项目管理的专业人才队伍,更缺乏从事音乐舞蹈类”非遗”项目保护工作的专家。在主管”非遗”保护的文化部门中,大部分的文艺干事,都是从各市县的优秀舞蹈演员或歌唱演员中选拔任用的,他们虽然有较为专业的表演技能和丰富的表演经验,但缺乏对音乐、舞蹈的分类整理、动态采录、文字记录等保护”非遗”的工作能力。建议政府文化主管部门应有针对性的对当地文化部门从事音乐舞蹈类”非遗”项目管理的工作人员进行业务培训,提升他们的工作水平和业务能力,即便他们不是音乐舞蹈艺术的相关专家,但也绝对不能是”只看热闹的门外汉”。

  3.重视音乐舞蹈类”非遗”项目传承人的梯队培养

  传承人是非物质文化遗产的重要承载者和传递者,在非物质文化遗产的保护工作中,之所以对传承人予以特别的重视,是因为传承人代表某项遗产深厚的民族民间文化传统,掌握着具有重大价值的可以延续和发展某项非物质文化遗产的技艺和本领,并具有最高水准层次。他们是非物质文化传承的主体,非物质文化遗产正是依靠他们的传承才能得以延续。令人扼腕痛惜的是,随着时光的推移,甘孜州音乐舞蹈类非物质文化遗产的一批优秀的年事已高的代表性承认人陆续驾鹤西去,给保护和传承工作带来了巨大的损失。由于经济的快速发展,非物质文化遗产的生态环境和社会环境也逐渐改变,过去那种家族晚辈就是自然的接班人的情况也早已改变。在甘孜州,多种因素导致这些音乐舞蹈类文化遗产也难逃后继无人的尴尬境况。因此,由政府主导,培养一支年龄结构优、技艺水平高、艺术修养强的传承人队伍也是尤为重要的。要给予传承人较好的经济待遇、社会地位和职业前景,尤其是对具有很高历史、文化价值而不具舞台效果的某些非物质文化遗产品种的学习者,更需予以特别的关照。吸纳更多的民间艺人走上职业化发展道路,成为”非遗”的代表性继承人和推广者。

  4.借文化产业化发展之势,推动音乐舞蹈类”非遗”的传承

  我们不能回避的一个现实问题是音乐舞蹈类”非遗”的能动传承需要大量的资金做保障。在甘孜藏族自治州,观其现状,对于”非遗”的保护和传承的经费主要来源于政府相关部门的财政拨款,但资金量十分有限,尽管一些音乐舞蹈类”非遗”项目在市场化运作中,能够产生一些经济效益,但对于需要庞大资金投入的保护和传承工程来讲也只能是杯水车薪。在这样的一种境况下,能动传承的经费保障必然需要另辟蹊径,最好的方式则是借助文化产业化发展的大势态,尝试建立完善的音乐舞蹈类”非遗”品牌文化产业,在”非遗”保护传承的基础上,寻求一种文化与经济共同发展的状态。甘孜州近年来将”圣洁甘孜”作为甘孜州公用商标,统领全州”酒、肉、茶、菌、果、蔬、水、药、粮、油、文化、旅游”等系列产品发展,大力实施”圣洁甘孜”区域公用品牌发展战略,取得了很好的社会反响和经济效益。打造”非遗”品牌也可借助”圣洁甘孜”公用品牌的影响力,顺势而为,推出”圣洁甘孜”之”非遗”系列品牌。当然,有一点需要注意的是,”非遗”在文化产业发展过程中,必须保证音乐文化艺术的原有性特征。一味迎合市场的”流行化”改变只会阻碍”非遗”的能动传承。

  5.依托高校,助推”非遗”的专业化传承

  ”非遗”保护与传承工作越来越受到重视,许多少数民族地区的高等院校,如内蒙古师范大学音乐学院、新疆艺术学院、云南艺术学院、贵州大学艺术学院等已形成了相关音乐类非物质文化遗产的专业传承,这是非常可喜的一件事。在甘孜州境内有一所民族院校———四川民族学院,现已依托学校音乐舞蹈系建成”康巴民族歌舞研究所”,培养出一批致力于研究和推广康巴藏区、甘孜藏区民间歌舞艺术的专家,涌现出不少研究成果,为”非遗”传承提供了意识形态的支撑。在学生的专业学习中开设了《康巴民族民间歌曲演唱》、《康巴民族民间乐器基础》等课程。这些都为下一步在该音乐舞蹈系的教学中开设甘孜州音乐舞蹈类非遗项目相关专业奠定了扎实基础。音乐专业、舞蹈专业的学生在学校接受正规、专业的理论及技艺学习,具有较好的音乐素养和专业底蕴,在长达四年的大学学习中,他们都身置甘孜藏区,潜移默化中对这片土地产生了第二”故乡”的眷恋之情,在这样的学业背景、文化背景下,培养他们的文化自觉意识,学习、掌握甘孜州音乐舞蹈类非遗项目的理论与技巧应该都有独特优势。另一方面,政府和文化部门也可借助高校的师资力量,组织当地的民间艺人来校培训,有针对性地的培养传承人。当然,也十分有必要邀请”非遗”的传承人走进课堂,参与到专业教学之中。总之,借助好高校的教学与科研力量,积极推动”非遗”的专业化传承,必然有助于音乐舞蹈类”非遗”的能动传承。

  结语

  甘孜州音乐舞蹈类非物质文化遗产是康巴藏区文化的杰出代表,也是中华民族文化的优秀代表,对”非遗”的原样保护和能动传承理应成为一种文化自觉。甘孜州音乐舞蹈类”非遗”的保护与传承工作起步相对较晚,还需借鉴国内部分地区音乐类非物质文化遗产保护与传承的成功经验,结合本土实际情况,拓展传承渠道,努力构建科学化、专业化、社会化的能动传承体系,做好做实传承工作,使这宝贵的文化遗传世代相传。

浅谈舞蹈《点绛唇》的情与思

  一、诗词《点绛唇》

  《点绛唇·蹴罢秋千》是宋代著名的女词人李清照的作品,词中描述了一位天真烂漫、情窦初开的贵族少女。词中对少女萌动爱情的描述真实而且生动,该词的上片写少女荡秋千,初见来客的情态。正当她累得不愿动弹之时,遇到了要造访的客人,惊诧之余少女来不及整理衣装急忙躲开。词的下片,以动作写心理,少女倚门而立偷偷窥视,将她心中油然而生的情愫表露无疑。姑娘的感情也是全文的连贯,从开始的惊诧、慌乱,到最后的羞怯、好奇以及暗生情愫,作者自然而然地将一个情窦初开的青春少女形象轻推到读者眼前。

  二、舞蹈《点绛唇》

  《点绛唇》最早指汉代樱桃小嘴;绛为大红。舞蹈取其意并借鉴词中少女的形象并进行再创造,舞蹈中大部分动作都是主人公的心理活动。可以说舞蹈《点绛唇》美的犹如一幅古代美女的画像,同时舞蹈也道出了一个深院大家闺秀的无奈等待,将古典舞身韵细腻的糅合带舞蹈演员身上,展现了一个与文化作品相匹配的人物形象。舞蹈将大量的笔墨用在刻画主人公心理活动上,通过舞蹈特有的意识流手法向观众展现了一位女子等待爱人的无奈与哀愁。舞蹈中的技巧份量相比较其他古典舞算是非常少的,其中加入了大量带有情绪的小动作,因此对舞者的要求比较大。这些小动作,小身韵的运用恰恰符合主人公的形象。整部作品清楚的勾勒了女子等待——期盼——失落,配以段落的动作节奏为静、动、静,在音乐的处理上鼓点与舞蹈定点的配合也十分的精彩,动静结合,触动人心。

  舞蹈作品运用了一把椅子,将物理舞台虚拟为女子的房间。在闺房内没有其他人打扰因此舞者可以展露自己真实的内心世界,在当下昏暗的房间里我们已经感受到了某种不明言说的孤独与伤感。舞者在这里思念着自己爱慕的男子,期盼中夹杂着开心、失落 这些思绪同时也言说着很多的女性。舞蹈中有很多的指向性动作比如:对镜装扮、娇羞的背手、欣喜的奔跑、急速的碎步还有那些自然流露出来的悲伤与失落,这些细腻的动作、情感交织在一起让观众有选择的感受到了某些情节以外的东西,或是单纯的同情、也或许是感同身受 。

  (一)舞蹈中的情

  舞蹈中最引人注目的是那面精致的镜子,她既是高贵的身份象征,也是舞蹈中浓浓情意的寄托。”女为悦己者容”一面镜子便轻松的交代了舞蹈的主题。舞蹈一开始舞者便对着镜子涂抹小嘴,眉眼间充满了思恋的期待,透露出的正是对爱人的思念,这是”情”的第一次表露,通过对着镜子那一丝无法掩饰的微笑与羞涩便让观众深切的感受到”情”的甜蜜与无奈。镜子仿佛就是爱情的寄托,所以整部作品镜子基本上都没有离开过舞者的手。

  第一次照完镜子之后舞者放下镜子但是却毫不掩饰的融入到自己幻想的世界中,从舞者的表情上我们不难看出在那个幻想的世界中没有等待,只有浓浓的甜蜜,可以和心仪的人在一起相互依偎肆意的感受爱情 第二次照镜子时,舞者完全陶醉在爱情的世界中,若无旁人的微笑,仿佛镜子的对面就是那个思慕的人。真是”情不知所起而一往情深”这位动情的女子让人看了真是既感动也心疼。舞者在第三次照镜子的时候依旧忍不住梳妆打理,可是最后一次的瞭望依旧是失望。之后舞者的表情开始发生变化,因为心中那份期待一次次落空,一次次化为泡影。不可名状的失望使舞者不禁向后倒退,双手无力的垂下悲痛、失望让她已经无力站稳,摸索着坐在椅子上而那面镜子也无力的掉落。 这一切的动作、表情都源自于一个”情”字,爱的越深失望越浓。情感终究无法安放,那颗炙热的心被无情的冷落 。

  舞蹈中我们感受到妙龄少女对爱情的期待与执着,”问世间情为何物,直叫人生死相许”。舞蹈中照镜子的动作贯穿始终,抓住镜子就如同抓住爱情一样,可最后舞者连拿镜子的力气都没有了,舞蹈结束的时候舞者再次捡起那面镜子但是我们可以明显的感受到那颗炙热的心已经被冷却了 舞者细腻的表情加之悠扬的琵琶声,一种不可名状的伤感油然而生。除了舞蹈照镜子以外舞蹈中多以流动的步伐为主,或急或慢,不停的朝着八点方向瞭望,脚步从轻快逐渐变得沉重,也是从满怀期望到逐渐失望的过程。舞蹈中不论是表情、道具、步伐还是舞姿都透露出一个”情”字。还是舞蹈中镜子基本上没有离手,越是对镜子依赖越说明了对男子浓浓的爱意和爱的憧憬,无论是舞者还是观众都被短短六分钟的舞蹈打动。一个”情”字引起多少观众的共鸣,一个”情”字又多么百感交集,一个”情”字令多少人魂牵梦绕。

  (二)舞蹈中的思

  舞蹈的取材并没有完全依据词中的人物来编创,而是就”点绛唇”三个字进行了再创造。舞蹈中,肖华一的动作很美也很媚,我们也可以将看做是一只情绪舞,因为舞蹈中的大部分动作都是主人公的心理活动,浓烈的情绪触动着每一位观众的心理。《点绛唇》中的空间营造是深闺后院,是被束缚着,被局限着的空间。即使舞者在舞台上进行大范围的走位与跳动,但是每一次圣体的舒展都紧跟着收缩,每一次感情的宣泄都以克制收场,每一次前进都跟着后退,每一次松懈都马上紧绷,以至于整支舞都折射出一种压抑、沉重。

  不论历史如何变迁,”深情的女子总是屡见不鲜。舞蹈选择的是一首纯意境的曲子,加之暗淡的舞台灯光,加之舞台中央装扮精致妆容的女子构成一幅幽远深邃的意境。从舞者流露出来的情绪中我们不自觉地与舞者共同伤感,共同舞动。

  深闺寂寞,柔肠若许,此情缱绻向谁诉?对镜点妆,凭栏凝目,盼伊归第共话烛。红颜日淡,离恨渐笃,无奈憔悴自踌躇。茕影难支,眉间如蹙,凄凄望断天涯路。

  舞者华肖一《点绛唇》立意独特,舞者基本功也非常扎实,小到”起范儿””甩头”大到”旋子”等难度较大的动作,她的完成度都很高。从开场的琵琶声中辗转拧动,到裙舞飞扬间的春意荡漾,无论是心怀忐忑还是欣喜难掩,每个小心翼翼的梳妆都强化了主人公的”情”。

  中国古典舞的神采、韵味与情绪的表达在《点绛唇》这个作品中表现的十分丰满,”形、神、劲、律、”得到了很好的诠释,舞蹈中技巧的自然融入将中华古韵通过细微的动作散发出诱人的魅力。带我们体验了一把古代女子的伤感情愁。

航天器AIT未遂事件管理系统设计及数据分析

  0引言

  航天器研制是极为复杂的系统工程。其中,AIT(装配、集成、测试)过程是航天器研制过程的重要环节,其完成水平对航天器的质量及可靠性具有决定性的影响。北京卫星环境工程研究所承担着我国神舟载人飞船、天舟货运飞船、嫦娥系列卫星、北斗导航卫星、高分观测卫星、东方红平台通信卫星的AIT工作,研制过程中存在一系列关键的安全控制点,不仅涉及起重作业、压力容器作业、有毒有害作业、高处作业、密闭环境作业等常规危险操作,同时还有火工产品作业、低温真空作业、大量级振动试验作业等特殊危险操作圈,出现任一纸漏,不仅会严重威胁操作人员的人身安全,还可能对航天器研制的成败造成无可挽回的重大影响,包括贵重产品损毁带来的巨大经济损失。因此,航天器AIT过程中必须确保安全生产,不断提高安全管理水平,建立将事故消弭于未然的长效机制。

  根据海因里希事故理论,每一起事故的发生,背后隐藏着若干个未遂事件。对未遂事件进行规范、有效的管控是切断事故因果连锁、防比事故发生的有效手段。

  根据相关的研究,对发生的未遂事件进行分级管理,建立规范化的记录、解析报告,对一定时间段积累的数据进行阶段性分析,可以有效的预防类似事件的重复发生。同时也注意到,在开展未遂事件管理时,提高信息化水平可以加强数据分析的效率、准确性和直观性。因此,结合单位安全生产工作特点和需求,对未遂事件的管理模式和流程进行系统的构建,利用EXCEL服务器,建立了未遂事件管理系统及数据库,实现了未遂事件的”上报-信息录入-数据分析-整改验证”流程的有效闭环;同时,运用历史未遂事件数据,进行多维度解析和定性、定量分析,分析未遂事件深层次的原因,为下一步的重点工作和持续改进方向提供决策支持。

  1航天器AIT作业中未遂事件管理流程 设计

  在北京卫星环境工程研究所以往的安全管理实践中,对未遂事件采取”发现一起,查处一起”的模式,虽然发挥了一定作用,但该模式过于简单粗犷,信息的积累和分析应用不够,信息的来源和全员参与度不够,缺乏系统性和长效性,难以从根本上根除同类事件的重复发生。针对以上不足,设计了未遂事件管理流程。

  1. 1信息获取

  未遂事件信息的获取是整个流程的起点也是最关键的环节,主要有2个渠道:”检查发现”和”主动上报,。”检查发现”是各级安全管理人员根据安全检查管理办法要求,通过对所管辖范围开展安全检查,发现、上报未遂事件;而”主动上报”是管理流程中新增的一个重要信息渠道,通过大力开展宣传教育培训,鼓励广大员工积极主动上报未遂事件,力求达到全员参与,尽可能地不遗漏一起未遂事件。

  根据研究结果,未遂事件的主动上报在开始阶段一般效果不佳,员工由于担心追责等种种原因往往不愿上报。针对这种情形,在系统中设计了匿名上报流程,通过赋予车间作业现场看板计算机操作相关权限,让一线员工可以随时随地自主报送发现的问题。由于看板计算机的登录IP为公用IP,无法对填报人进行追查,彻底打消了员工的顾虑。同时,对匿名上报的未遂事件,设置了现场复查环节,由专职安全生产管理人员现场核实其真实性。

  1.2事件信息的统计解析

  EXCEL服务器是由勤哲公司开发的而向最终用户的信息系统设计工具与运行平台,可以灵活地建立适合需要的管理信息系统,实现管理信息化圈。EXCEL服务器系统界而简洁、操作易上手、后台数据提取和处理均十分便捷。结合EXCEL服务器数据处理特点,将未遂事件信息结构化分类,编制了未遂事件报表模版。

  针对未遂事件结构化信息,在EXCEL服务器上建立起处理流程,通过流程内赋予各级安全管理人员相应权限,可对获得的未遂事件信息进行处理和初步解析;通过控制表格表头下拉菜单选项,界定了各解析维度的可选内容,确保事件分析规范。

  2航天器AIT未遂事件维度分析

  2. 1航天器AIT未遂事件形成原因分析

  从成因角度对未遂事件进行分析,有助于从根本上消除未遂事件;同时,通过对一定量的未遂事件成因的统计分析,有利于找出共性特征,进行系统地整改。 通过从人、物、环境、管理4个方面,对以往未遂事件的成因进行分析归纳,航天器AIT未遂事件的主要原因类别如下,包括作业人员安全意识薄弱、安全责任未落实等9个主要类别。

  2. 2航天器AIT未遂事件业务模块分析

  在航天器AIT安全管理过程中,主要包括总装作业、热真空环境试验等如下9个业务模块。 一般情况下,未遂事件的数量随业务量的增加呈增加趋势,因此,结合生产流程及业务量,对未遂事件进行业务模块维度统计分析,可以为计划的合理制订、任务的合理分配和资源的合理配置提供决策支持或预警。

  以热真空环境试验、动力学环境试验、空间环境效应试验为代表的星船环境试验未遂事件占比较大且在2016年激增,说明随着”十二五”期间建设的新型试验设备全部投入使用后,新设备、新环境、新技术、新工艺带来了新的挑战,需要加大对环境试验相关部门的安全投入。而星船总装相关问题数量相对稳定,占比下降,反映了总装作业安全管理保持了较高的控制力度,仍需持续关注。

  3未遂事件形成原因的层次分析

  层次分析法(AHP)是美国T. L. Saaty提出的一种系统分析方法,它把人的决策思维过程层次化、数量化、模型化,并用数学手段为分析、决策提供定量的依据,是一种对抽象目标进行定量分析的有效方法。其基本原理是把管理目标分解为各个组成因素,将因素的支配关系分组形成有序的递阶层次结构,通过两两比较的方式确定层次中诸因素的相对重要性并排序。该方法广泛用于管理评价、经济发展比较、资源规划分析、人员素质测评及安全经济分析等方面。 其分析过程分为4步:

  1)确定对管理目标的影响因素,分析各因素之间的关系,建立递阶层次结构。

  2)对同一层次的各影响因素之问的关于上层次中某一准则的重要性进行两两比较,构造判断矩阵。

  3)由判断矩阵计算比较影响因素对于该准则的相对权重,并进行一致性检验。

  4)计算底层影响因素对系统目标的合成权重,进行一致性检验,并予以排序。

  利用层次分析法,可以对未遂事件形成原因的的重要性进行分析计算,为重点持续改进方向提供依据。通过组织巧位安全管理人员和员工代表,利用1 ~9标度法对形成原因进行评估,得到判断矩阵,并利用MAT-LAB软件编程计算,得到各影响因素权重值。

  4结论

  1)航天器AIT对安全生产水平要求极高,加强对未遂事件的管控是提高航天器AIT安全管理水平、将事故消弭于未然的有效机制。

  2)利用EXCEL服务器系统建立未遂事件信息化管理系统和数据库,简洁便捷、易各级人员操作;获取未遂事件信息是管理系统的一个关键环节,应进一步鼓励、引导全员主动上报未遂事件。

  3)对历年未遂事件进行多维度分析以及对未遂事件形成原因进行AHP分析,对深入查找安全管理薄弱环节,持续改进安全管理体系具有重要指导作用。

航天工程系统技术成熟度评估方法研究

  1引言

  航天工程属于复杂系统,其系统结构复杂、运用技术复杂、组织管理复杂,任何一个微小的差错都可能造成工程实施的不成功。因此,技术成熟度问题首先在航天领域获得研究并在实践中得到广泛应用。美国国家航空航天局(NASA)基于阿波罗登月项目的实践,早在1969年就产生了要准确阐述未来空间系统应用新技术状态的观点。20世纪70年代中期,NASA引入技术成熟度等级(Technology Readiness Level, TRL)的概念以评估新技术的成熟度;20世纪70年代末,NASA产生了最早度量技术成熟度的标准—技术成熟度等级叫。1995年NASA出台《TRL白皮书》,将TRL分为9级,并制定了具体应用规范和程序。

此后,美国国防部(DoD)借鉴NASA评价标准,于2003出版了《TRL评估手册》,并要求所有重要国防采办计划中都必须应用TRL。西方其它国家学习美国经验,也在国防采办中积极推广TRL。例如,英国国防部(MoD)于2005年开发了技术嵌入度量标准(Technology Insertion Metric),包括技术成熟度(TRL)等级、系统(集成)成熟度等级(System (Integration)Readiness Level)、集成成熟度等级(Integration Maturity Level) 3个方面内容,并将这种度量标准应用于武器系统工程的各个阶段实践中;加拿大国防部(DND)于2006年开发出了原型的综合评估体系—技术成熟度体系(Technology Maturity Level System, TML System),并将其应用于加拿大国防部系统与设备采办的管理系统—国防管理系统(Defence Management System, DMS)中。

目前,技术成熟度方法不仅应用于军工领域,也被广泛应用在国民经济的各个行业中。不过,技术成熟度评估方法的研究与应用一直侧重于对单一技术的评估,从而在需要多种关键技术集成的复杂系统工程应用中产生了局限性。一些相关研究已经注意到了这个问题,并针对技术集成问题开展了某些技术集成成熟度评估方法研究。比如,一些学者提出了集成成熟度等级(IRI.)概念,认为不同技术之间进行组合或者技术集成时,要考虑集成的物理属性及各关键技术间相互作用、兼容性、可靠性、可维修性、可保障性等要素,完成对系统集成状态技术成熟度评估;一些学者通过建立技术单元体系结构,采用加权方法等直接计算技术集成成熟度。从一些学者探讨了武器装备体系层面的技术成熟度评估方法。航天工程的系统结构具有复杂的层次性,对应存在着实现其功能的技术系统结构,且技术与技术间以及技术模块间需要通过集成技术完成连接。因此,本文研究认为,航天工程系统的技术成熟度评估应遵循航天工程本身的技术实现系统,去构建逐层集成的技术成熟度评估体系,最终完成对航天工程的整体技术成熟度评估。

  2航天工程技术系统结构的一个分层次描述

  一项航天工程往往可以分解为若干个分系统,每个分系统又可以分解为多个子系统,每个子系统则由众多单机构成。比如,中国载人航天工程由航天员、空间应用、载人飞船、运载火箭、发射场、测控通信、着陆场和空间实验室八大系统组成;就载人飞船分系统而言,它由推进舱、返回舱、轨道舱3个子系统构成;进一步从神舟号飞船的推进舱构成看,其安装有推进系统发动机和推进剂、飞船电源、太阳电池翼、环境控制和通信等系统、设备。可见,一项航天工程有着极其复杂的系统构成,其对应的技术系统也是十分复杂的。为此,可以对应于航天工程的系统组成,形成一个具有多层次结构的技术实现系统。其中,每一个层次技术都是通过下一级相关技术的集成而构成的一个技术集成体,因此每一个技术层中都包括了集成技术;就底层的单机技术而言,它可以分解为设计、材料、工艺、方法、设备、单机集成技术6类基本构成要素。

  3单机构成中的要素技术成熟度评价

  技术成熟度等级一般划分为9级,例如在美国国防部2009年版的《技术成熟度评估案头书》中,将技术成熟度等级划分为9级。 按照9级评价标准,可以针对某一具体航天工程单机构成中的要素技术成熟度首先给出评价,进而自下而上逐层汇总评价结果,最终得出整体系统的技术成熟度评价。

  1)设计成熟度评价

  设计的技术层次包括3个层面:物理原理设计—结构设计—工艺设计。参照技术成熟度9级划分方法,可将航天单机设计成熟度定义为9级。设计工作中,针对一个具体的单机可依据表2级别定义做出其设计成熟度等级评价。

  2)材料成熟度评价

  航天工程中使用的材料复杂,且许多材料是特种材料、新发明的材料。因此,确认材料的成熟度对工程实施的可靠性极为重要。材料的应用通常采用积木式方法逐步验证和实施,即对材料从试件、元件、组件、部件,直到全尺寸部件结构都需要进行严格考核叫。 在此,可结合积木式方法的实施步骤,将单机使用材料的技术成熟度按9个等级划分

  3)工艺成熟度评价

  产品制造工艺成熟程度:主要表现在产品工艺对设计要求的实现程度及其自身的完善程度,特别是产品制造工艺所达到的可操作、可量化、可检测、可重复程度,以及由不同时间、不同地点、不同人员生产出的产品的一致性程度,其核心在于工艺关键特性的识别、确定及其验证的充分性。 可考虑工艺状态、工艺基础、工艺实施和保障条件等内容维度,依据9级成熟度评价模型定义制造工艺成熟度等级划分。在具体的评价中,每个维度确立典型评价要素,确定成熟度模型中每一级的评价标准,进而针对实际单机对象作出成熟度评价。

  4)方法成熟度评价

  方法在技术成熟度评价中常常被轻视,而它涉及的方面很多,且是技术成熟程度的一个重要环节。比如,方法可体现在可靠性评价、质量控制、模型化、仿真能力、测试,概念模型、仿真模型、仿真结果分析、工艺模型等诸多方面。 同理,可以依据9级成熟度评价模型定义方法成熟程度等级划分,据此可以评价实际单机制造的方法成熟度。

  5)设备成熟度评价

  设备成熟度评价是对航天工程制造应用的设备成熟度给出评价,以主要体现为完整的生产设备及制造能力。航天工程单机制造使用设备的9级成熟度等级划分。

  6)单机集成技术成熟度评价

  单机制造会涉及多种技术运用,每项单一技术的成熟度高并不能保证单机制造的整体技术成熟度达到高水平,因为还取决于其技术间的集成水平。因此,可对技术集成能力划分级别,结合实际单机对象,完成具体单机集成技术成熟度评价。 同时,上述单机集成技术成熟度等级划分,可根据具体系统背景进行适当修订,形成子系统、分析统、系统3个级别的各自9级技术成熟度评价定义。

  5结束语

  从目前的理论研究与实际应用情况看,都倾向于单一技术成熟度评估思维,即对系统某一级别对象完成独立技术成熟度评估。这种做法虽然容易实现,但并不符合实际技术系统的整体结构关系。任何一个技术系统的先进性、成熟性、可靠性都依赖于各层次技术的情况及其技术集成能力,简单的装置技术与制造问题都可能影响到一个航天工程的安全性能。因此,本文认为应从最基本的单机构成要素为起点进行技术成熟度评价,进而按照逐层集成的方法完成一项航天工程整体技术系统成熟度的评估工作。本文的研究成果主要体现在思维与方法的创新价值,实际应用可能存在许多困难与复杂性,但其合理性是显而易见的,希望能对航天工程特别是重大航天工程整体技术系统成熟度评估的实际工作产生有意义的影响。

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浅析地方性特色舞蹈在高职表演艺术专业教学中的传承与发展———以瑶族舞蹈为例

  广东清远瑶族在漫长的历史发展进程中创造了个性鲜明的民族文化。瑶族的歌舞是他们最鲜明的一个民族特色,《耍歌堂》《盘王舞》《长鼓舞》等舞蹈具有浓郁的民族风情,广为人知。民间舞蹈从艺术层面上反映出一个民族的生存状态、生存方式和情感寄托。虽然当前很多的高职院校、艺术院系都相继开设了民族民间舞蹈课程,但却没有达到一定的深度,总体来看还存在着许多问题与不足之处,尤其是专业课程的设置,过于形式化,没有针对性。下面重点结合我校所开设的表演艺术专业及其舞蹈课程探究专业教学中的传承与发展问题。

  1. 高职院校舞蹈专业中地方性特色舞蹈

  1.1 地方性特色舞蹈(瑶族舞蹈)在高职院校教学中的发展现状、问题与不足

  中华民族是拥有五千年灿烂民族文化的伟大民族,对优秀传统艺术文化传承、保护、发展才是一个民族保持生命力的根本,而教育则是最好的实现途径。通过在普通高等院校、高职院校以及各类艺术学校设置、开办地方性特色舞蹈专业课程,以人为本,坚持与继承、发展自己的民族艺术,才能避免在新时期、新经济环境下,尤其是在文化艺术领域丧失独立性,有效防止中华民族文化成为外国文化的附庸。当前,在高校舞蹈艺术专业课程设置及其教学工作当中,相比较于西方欧美国家的华尔兹舞蹈教学、芭蕾舞蹈教学、西班牙舞蹈教学等,我国的民族民间地域舞蹈教学令人尴尬,包括课程设置的不足与缺陷、教学的不规范,这些问题都值得深思。

  在南方的一些学校,瑶族舞蹈作为当地民族文化的艺术代表,被当地许多高职院校引入到艺术表演专业教学当中。虽然将瑶族舞蹈引入到了表演艺术专业教学课程中,但是其关注度并不够,这一点主要体现在教育资源方面。因此,在课程的设置与建构过程中,以瑶族舞蹈为代表的许多民族舞蹈被过多的忽视与冷落。

  1.2 地方性特色民族舞蹈在高职院校中传承的现实意义

  首先,地方性特色舞蹈在高职表演艺术专业教学中的传承与发展,顺应了当下社会环境、经济环境、教育环境的教学模式改良。正所谓”创新是一个民族进步的灵魂,是一个国家兴旺发达的不竭动力”。在新时期,面对教育体系的深度变革以及外来教育文化、艺术理念的侵入,我国只有不断坚持着自身的改良与创新,才能时刻保持着前进的源动力。

  其次,能够全面培养高职学生对民族舞蹈的传承与保护意识。高职表演艺术专业的学生可以在民族舞蹈知识、技能学习过程中汲取文化特色、开拓创新。当前摆上眼前的是一个刻不容缓的严峻事实,就是当今国内高职院校对于民族民间舞蹈教育缺乏一套完备化教学体系,尤其是高职、大专学校的教育模式,无论是在人文教学领域还是在课程制定、教材选用等方面,都缺乏一定的宣传教育工作,在知识技能的传授方面,主要还是单一化模式,进而导致并造成专业学生对民族舞蹈缺乏兴趣。通过强化表演艺术专业中的民族(瑶族)舞蹈课程教学,在很大程度上可以改善这种现状。

  2. 高职表演艺术专业教学———传承瑶族文化、创办特色教育

  2.1 深入了解瑶族文化,激发学生学习兴趣

  瑶族祖先为盘古,在民间民俗文化中有多种不同的称呼,包括像”花篮瑶””白裤瑶””盘瑶””蓝靛瑶”等。在民间有这样的称道,”家家都有鼓,处处有鼓声”,虽然这句话略显夸张,但是也足以体现出瑶族舞蹈在整个瑶族文化当中的历史地位。关于瑶族舞蹈,比较具代表性的有草龙舞、道公舞、长鼓舞等,其表现形式千奇百怪、特色分明。一个地域的艺术、文化,通常能够充分、形象地体现出地域环境、历史、经济、政治等领域的发展与演变,它是一个地区劳动人民用智慧、汗血积攒而来的。因此,在高职表演艺术专业教学过程中,关于瑶族舞蹈课程的设置,一定要全面展现出瑶族文化。关于这一点,高职院校在瑶族舞蹈教学过程中可以将瑶族文化融入到校园文化当中,并通过校园板报、艺术活动、民族民间艺术展览、多媒体视频等表现形式来向学生宣传瑶族文化。

  2.2 开设地方舞蹈课程,整合优化教学结构

  利用独特的地域文化、民族特色等优势资源,积极开发地方性特色舞蹈资源,引入地方性特色舞蹈进校园,建设特色课堂;创建”研、创、演”三位一体的瑶族舞蹈课程体系(科研教研紧密结合、激发创作热情、依托教学,传承地方性特色舞蹈艺术)。因此,高职院校要充分利用当地文化资源、充分展现出本校的办学特色与教育风格。就以瑶族舞蹈课程教学为例,可进行试点班级建设。例如,开办一个”瑶族文化会聚班”,针对特色文化分别开设瑶族舞蹈文化课程。在课堂教学中,可创设瑶族文化服饰情境,服饰是最能体现出一个民族、一个地区民俗习惯与文化特色的载体形式。在课程教学环节,学校可为学生提供极具民族特色的服饰,开展瑶族舞蹈采风,并结合着原生态环境。

  2.3 构建以职业就业能力为主线的瑶族舞蹈课程体系

  就艺术专业而言,舞蹈作为一个相对冷门的专业,它与音乐、美术等专业课程存在着较大的差异性,因此,关于民族舞蹈课程体系的构建,一定要坚持职业教育课程基本的定位原则与教育理念。当前在绝大多数的高职艺术院校专业教育体系中,舞蹈专业虽然相对比较冷门,但是其具有非常强的实用性,这也是未来高校、社会、教育等领域发展的一个重点创新方向,也正是基于高职舞蹈专业课程的实用性,因此也具备了自身特色的课程体系,迎合了高职教育以促进就业为培养目标的办学准则。

  在瑶族舞蹈教学模式的改革方面,要突出理论实践相结合的作用理念,以培养出适应现代化社会发展以及职业变化所需要的高技能应用型人才。具体来说,可归纳为以下几个方面:

  第一,地方性特色舞蹈教学课程方面。在理论教学领域,高职院校要加强表演艺术专业教师队伍建设,包括教学理念、课堂教学模式的转变、创新。在理论教学内容和课程的设置上,要根据舞蹈类专业培养目标,对一些基础性的课程内容教学要坚持以应用为目的;其次,课程内容的制定要突出实用性、针对性,注意舞蹈基础课与其它人文、科学教育类的课程设置之间的协调、衔接。

  第二,地方性特色舞蹈实践实训教学方面。把舞蹈教学与职业素质培养合理的衔接在一起,依托教学课程实践,在全面提升实践教学整体规划的基础上,有针对性的逐层推进各个教学环节,包括对舞蹈基础实践能力的操作技能应用、专业应用能力、专业技能与综合素质能力相互结合的实践教学体系。

  具体实施教学方面,在舞蹈课程理论及技能的培养、教学基础上,通过开展校园或者社会表演活动来提高学生的实践应用能力。比如,民族舞蹈活动的策划、歌唱舞蹈比赛等,这样就可以以最简单、最直接的表达方式将每一项最基础的表演、技能把握住,从而让更多的表演艺术专业学生在实践活动之余与理论知识教学框架互相渗透。

  第三,地方性特色舞蹈教学方法、策略、手段方面。坚持以实践实训教学为主、理论教学为辅的基本教学模式,根据不同情况有针对性地实施多样化的教学手段。表演艺术专业的学生与其他专业的学生在性格、行为举止方面都有所差异,因此,在教学过程中要结合艺术生的特点,注重因材施教、因人施教,充分发挥学生主体作用。

  注重对以瑶族舞蹈为代表的地方性特色舞蹈专业课程体系的拓展,在教学方法、教学手段以及实施策略上,要切实强化基础课程、技能课程之间的联系,一定要避免理论教学与实践应用相互脱节。在高职院校传统的教学模式中,主要是以”三段式”的课程教学模式为主,公共舞蹈课外基础课———专业舞蹈课程基础课———专业舞蹈课程技能课,这种模式实际上完全割裂了专业课程各环节教学之间的联系。

  与此同时,舞蹈课程体系、教学内容的设置要尽可能考虑到学生的就业前景,坚持以市场导向为依托,以社会实际发展需求、人才市场需要为办学的根本宗旨,从而有效率地培养出多能、专一、专业、实践能力强的市场复合应用型大学生。

  3 结语

  瑶族民族舞蹈有鲜明的地方性特色,在高职表演艺术专业教学中的实际教育效果有较强的研究价值和传承意义。从本次课题研究的总体阐述当中,我们能够深刻的认识到地方性特色舞蹈在高职表演艺术专业舞蹈课程中的实际教学目的与方向 。一是借助于瑶族歌舞课堂教学传承与发展以瑶族民族舞蹈为代表的岭南地域特色文化。二是通过将地方性特色舞蹈融入到高职人才培养专业课程当中,极大满足社会市场文化产业发展的具体需求。

浅谈少儿舞蹈教学中存在的问题及解决措施

  舞蹈能增强体质、陶冶情操,促进身体各组织器官的发育,提高少年儿童的综合素质,培养良好的节奏感和韵律感。因此,许多少年儿童都比较喜欢舞蹈,喜欢学习舞蹈。然而,在少儿舞蹈教学中,一些教师过于关注舞蹈教育的专业化,过于强调技能训练,而忽略了舞蹈教学的趣味性和娱乐性。忽略了对少年儿童审美能力的培养。在舞蹈教学中,不能够充分发挥学生的主观能动性,进而影响了少年儿童学习舞蹈的积极性。怎样才能够增强少年儿童学习舞蹈的热情,提高其学习舞蹈的自信心,是本文着重探讨的一个问题。

  一、少儿舞蹈教学中存在的问题

  (一)舞蹈教学成人化,舞蹈难度过高

  随着生活水平的不断提高,我国少年儿童学习舞蹈的人数逐年递增。对于舞蹈教学的要求也越来越高。许多家长让孩子学习舞蹈,并没有明确的目标,许多教师也不知道用怎样的教学方式培养学生,教学目标比较模糊,导致少儿舞蹈教学陷入一种困境。少儿舞蹈教学,许多教师和家长都容易陷入一种误区,那就是忽视舞蹈教育的特殊性。在舞蹈教学中,过于强调舞蹈技能训练,忽略了学生素质的培养。导致舞蹈教学过于专业化,影响了少年儿童学习舞蹈的热情。当前,少儿舞蹈教学成人化、专业化倾向比较严重,在少儿舞蹈教学中,一些教师不能够站在儿童的视角,而是站在成人的视角居高临下地想象少儿的空间,习惯于以自己的思维定式进行教学,不能够真正透视孩子的内心世界。在教学过程中,过度的关注于模仿成人舞蹈,喜欢交一些成人舞蹈给少儿学习,这不仅影响着少年儿童学习舞蹈的兴趣,还不符合少年儿童的身体状况,为追求舞蹈效果和舞蹈难度,增加基本动作,提高技巧动作,将少年儿童舞蹈教学看作是培养专业舞蹈演员,由于舞蹈难度过高,使得许多少年儿童失去了学习舞蹈的兴趣。

  (二)过于重视技艺训练,不注重少儿艺术想象能力的培养

  当前,许多舞蹈教师将少儿舞蹈教学教学目标定位为动作到位、姿态优美、节奏准确,过于重视技艺训练,以技艺是否娴熟为评价标准。教师通常一遍又一遍地”死教”,过于重视动作是否规范,一遍又一遍地抠动作,导致少儿出现了疲劳、厌倦,产生了厌学情绪,逐步失去了学习舞蹈的兴趣。在少儿舞蹈教学中,许多教师还是沿袭传统的教育方式,以教师为中心,教师怎么教,学生就怎么学,课堂教学以教师为中心,学生学习舞蹈只是被动接受,一般情况下,舞蹈教师只要求孩子跟着练习,按照规定要求去跳舞,让孩子们反复演练舞蹈动作,机械的记忆一些舞蹈动作,有时许多孩子临上台前,只是学会了舞蹈动作,知道自己应该怎么跳舞蹈,至于这个舞蹈动作有什么意义,想要表达什么主题思想,却一点都不知道,这种非启发式教学方法,不利于培养儿童的想象力,”为了跳舞而跳舞”使少儿错失了”艺术启蒙”的有利时机。

  二、少儿舞蹈教学应遵循的原则

  对少年儿童进行舞蹈教学,与一般文化课程教学不同,教师要从实际出发,注重学生综合素质的培养。首先,要遵循循序渐进的原则。安排少年儿童学习舞蹈,不能够急于求成,在制定教学计划时,舞蹈技能要由浅入深,运动量一点点的增大,由易到难、由简到繁循序渐进。有些教师为了提高儿童的舞蹈技能,让学生做一个把杆压腿或前抢脸等基础训练就需要四五十分钟,这种训练方式,不符合少儿能力接受范围。所以,在教学中,安排少年儿童训练,应遵循循序渐进的原则,科学系统地安排训练内容。另外,在教学中,安排少年儿童训练,还要遵循全面发展原则。少儿舞蹈教学,除了训练少儿身体的柔韧度、力度,训练适合少儿的技能技巧,还要抓住儿童期最珍贵的童真,训练他们对于美的感受,注重少儿舞蹈表现力部分。对少年儿童进行舞蹈教学,教师还要关注不同性别,不同年龄段的孩子的身体状况,根据孩子的年龄,做到因人而异,区别对待。所传授的舞蹈技巧,一定要适合这个年龄段的孩子。少儿舞蹈教育的安全性,也是舞蹈教学中教师必须关注的问题。笔者认为,舞蹈教师应该高度重视其安全性,要学会保护少儿的安全,教学训练遵循科学原理,选择适当的训练方法,不能够一味追求动作的难度,要在安全性原则基础上,提高儿童的舞蹈技能,追求更高目标。

  三、少儿舞蹈教学有效策略

  (一)激发少儿舞蹈兴趣,调动少儿学习舞蹈的积极性

  兴趣是学习的动力,无论做任何事情,只要有兴趣,就会得到事半功倍的效果。在少儿舞蹈教学中,激发儿童的学习兴趣,可以有效地提高儿童的注意力,调动他们的学习积极性。在愉快的氛围中,快乐的学习舞蹈。由于少年儿童正处于生长发育时期,不仅注意力不集中,而且还缺乏耐性,如果像训练专业舞蹈演员一样,训练他们,很容易使他们失去对舞蹈的兴趣,影响到训练效果。因此,在基础训练阶段,教师一定要加强趣味性培养,寓教于乐,将舞蹈教学内容与游戏活动相结合,增强舞蹈的趣味性,激发少儿的舞蹈兴趣。要诱发儿童对于舞蹈产生相应的情感,用心去感受形体动作的语汇情景,在欢愉的课堂氛围中学习舞蹈技能,使其充满趣味的自娱性,轻松愉快中掌握舞蹈知识。让少儿感到学习舞蹈是一种快乐的活动,把学习舞蹈当做是一种游戏,进而产生学习兴趣。

  (二)重视教材的使用,教学方法要多种多样

  在少儿舞蹈教学中,教材是教学的依据,在对不同年龄阶段儿童进行舞蹈教学时,一定要重视教材的使用。在教学内容上,要根据少儿的特点,由浅入深,循序渐进,要根据学生的接受能力、模仿能力,科学的选择教材。同时,还要根据儿童的喜好,选择一些有情趣的、少儿感兴趣的材料,要用一些比较活波的动作,与主干动作穿插辅助练习,表现孩子们活泼的天性,从而活跃课堂气氛,激发少儿学习的兴趣。”教学有法,教无定法”。在少儿舞蹈教学中,教学方法要多种多样,要恰当好处地运用多种教学法。舞蹈教学有其特殊性,它属于一门比较独特的技能型课程。教学方法一定要适少儿舞蹈教学。所以,我们应结合少儿实际,选择合适的教学法传授动作技能。如在少儿舞蹈教学中,教师讲解舞蹈动作,不仅要通俗易懂,还要生动形象。用美妙的语言讲解更能够激发学生的学习兴趣。同时,在为儿童做示范动作时,动作要优美、准确,赋予感染力。在教少儿舞蹈时,教师也可以先让儿童自己编排舞蹈动作,然后对其进行指导。这样,有利于培养儿童的艺术想象力。

  四、结语

  总之,作为一名舞蹈教师,在少儿舞蹈教学中,要根据少儿的特点,努力钻研,不断创新教学方法。要根据舞蹈教学中存在的问题,逐步改进和提升教学质量,激发少儿舞蹈兴趣,调动少儿学习舞蹈的积极性,做好引导、指导工作。同时,还要科学合理的选择教材,培养儿童的艺术想象力,使得教学内容,能够适应少儿舞蹈发展的需要。